The Meaning of Mozart

Dancer Pascal Rioult’s Great Mass in C Minor
by Mary Staub
Encore Magazine
http://encoremag.com/?q=article&id=418

In recent years the French-born choreographer Pascal Rioult has choreographed mainly early 20th-century composers like Ravel and Stravinsky. For his newest and first evening-length work, though, Rioult, a former Graham-dancer with his own now fifteen-year-old company, has tackled one of the great choral works, Mozart’s Great Mass in C Minor. Rioult recently explained why working to Mozart is a return to his own roots, why Mozart represents hope for mankind, and what distinguished working with such a monumental composition.

What drew you to Mozart’s Great Mass in C Minor?
I’ve been thinking about doing a mass for a long time. I’ve always been partial to choral music. My mother was a singer in a choir. From my most tender age I would go to bed and fall asleep with her singing in her beautiful soprano voice. Mozart has always been very important music to me because I always felt you go to him when you have a bit of a down; you put Mozart music on and most of his work just kind of cheers you up.

What is it like moving from more modern composers back to an 18th century work?
It’s true that in the past few years I’ve been working mainly with major pieces of classical music. Many from the early 20th century. One reason I’ve done that is not only because their music is great, but I wanted to learn my craft from their craft. You learn a lot by listening and working with their music. It really prepared me to go backwards. In a sense it’s back to the future. After learning so much from these 20th-century composers I’m prepared to tackle this kind of difficult and monumental piece.

What distinguished working on an evening-length work?
You need to have this sense of continuity in what you create from beginning to end. You want to keep the variety that’s in the music, but also have a strong sense of unity. You’re taking the audience on a journey and you have to make sure you don’t lose anyone along the way. On top of that, add that you want it to be a spiritual journey. If you have a story to tell it’s different than if you just want to touch people and think and feel things.

And what is this particular piece about for you?
It is a celebration of human nature and hope. There is something divine and glorious in all of us that we only touch once in a while. We all have that inside of us. That’s the only reason why there’s hope in humanity. And this piece shows that.

Rioult’s new work runs April 14th–19th at the Joyce Theater and will alternate with a program featuring older works of his to Bach, Stravinsky and Ravel.

On the Record with Alyson Stoner (Dancer Magazine)

by Mary Staub — Nov 10, 2008

Alyson Stoner is just 15 years old, but already she’s danced for Missy Elliott and Eminem, done voice-overs for “Lilo & Stitch,” “W.I.T.C.H.” and “Pompoko,” co-hosted on the Disney Channel, acted in commercials, and appeared alongside Steve Martin in “Cheaper by the Dozen,” among a slew of other appearances. She teaches hip-hop in L.A. and is singing in her own first music video, to be released early next year on the Disney Channel. Here’s how she got where she is today, without losing sight of who she’s always been.

Do you remember when you took your first dance steps? I was the pipsqueak who constantly danced around the house. I transformed any fireplace or back porch into a stage. Really, I've been dancing since the day I could walk.

And when did any “formal” training start? When I was three, I enrolled at the O'Connell Dance Studio in Toledo, Ohio, under the direction of Betty, Julie and Joanie O'Connell. Julie had an extensive background in Broadway performances so in addition to developing proper technique, I was also taught to truly perform and learned stage presence. Obviously, that proved to be extremely valuable because my current career depends on those skills. I took jazz, tap, ballet—the standard foundational styles.

The O'Connell's allowed their advanced teen members to instruct certain classes of mine. Immediately, we 3-5 years olds listened to them, because they were "older kids" and "cooler than cool." Every instructor came to class smiling, so I linked dancing and music with joy and happiness—that feeling hasn't left since.

What is one of your most memorable moments from back then? Being backstage during a 30-second costume change. It was exhilarating and completely nerve-wracking, but it all paid off once I hit the stage.

And what made you start taking modeling classes, also in Toledo, at such a young age? Modeling had become another after-school activity to add to the list. I had already played on many sports' teams, and took dance and gymnastics classes; modeling was no different. I simply got to class on time, trained my hardest, practiced at home and reached for the stars. Always being on the go helped prepare me for life in L.A.

So, when did you relocate to L.A. and was that a big change? I was seven. Margaret O'Brien, of the Toledo modeling school I went to, took a group of students, including myself, to the IMTA convention. After various events, a couple of agents noticed my potential. Luckily, my family was able to manage a temporary trip to L.A., where I could try out the biz for awhile.

Alyson Stoner and Roshon Fegan of Disney Channel's "Camp Rock" host "Freestyle Jam" to teach viewers rockin' dance steps from the Disney Channel Original Movie.

Photo by Richard Cartwright

Then I found Millennium Dance Complex in L.A., which had classes open to the public. My first dance class was a master class by Wade Robson. Soon thereafter, I found a hip-hop class taught by 10-year-old Lindsay Taylor. I started as a student, but now I actually help teach the class. Lindsay and I have grown to be really close, especially because we share the same interests and abilities.

How have you managed to keep up with school and family life with all of this? I enrolled in a home-schooling program that allowed me to complete curriculum at my own pace, so I actually graduated high school at fourteen. Before then, I was accepted into a junior college at thirteen, and I plan to get my general education there, and move on to an Ivy League. As for my family, they're the reason for my being, and their support is where I draw my strength from, so I definitely make time to spend with them.

When did you realize you wanted to make performance your career? Up until “Camp Rock,” I considered performing to be a hobby. After booking a Disney Channel Original Movie, I realized that I had a special opportunity to use my gift and share it with people all around the world. At that moment, I knew this was something I wanted to pursue for the rest of my life.

One of your first major jobs was to co-host the Disney Channel. How did you get this position? I auditioned of course! We definitely didn't "know" people in L.A. In fact, we kept to ourselves for the first six months in L.A. My agent submitted my resume, the casting office made an audition appointment, and I booked the job fair and square. If you know my family, everything we do is well-worked for and earned. We don't expect anything to come easy.

Were you nervous? I never considered hosting to be an unusual job for an 8-year-old. I was doing what I loved and having fun. I wasn't nervous, because I'd always learned to step up to the plate and challenge myself.

How have you managed to stay grounded with all the glitz and glamour that surround you? I keep my relationships with family and friends as strong as possible, because they got me where I am. My parents encouraged me to try new things, and if I was ever disappointed, envious or negative, they'd show me why it's important to work hard, be happy for others and always see the glass as half-full.

What might you say to other dancers who hope to get to where you are some day? Keep your focus on the craft—don’t get caught up in glory of success that comes along with it. Be focused on doing your best, and don’t be worried about success. Success isn’t measured by how many people know your name, but by how many lives you touch. It’s important that kids, teens, adults understand that depending on the work that you put in, that’s where you will go. What you sow is what you will reap.

Do you have role models? Natalie Portman is hard-working and well-educated, which is what I aspire to be.

And how do you balance out your busy life of performing? My busy life of performing—haha. I don't know any other way of living. I'm a firm believer of making the most out of every day. I rest when I need to, but only to refuel my body for the upcoming tasks and challenges.

Is there anything else you could imagine yourself doing? I could imagine myself doing anything. I don't want to limit myself to this culture's expectations or ideas of what occupations are good and bad. I plan to stay in the industry. However, if I'm supposed to be in a cubicle, then I'll happily work at a desk for a living.

What are you currently working on? “The Alyson Stoner Project” is a dance-instructional, hybrid music video melding many forms of entertainment into one. I've designed my own dance shoe with Bloch Dance Apparel Corporation. “Phineas and Ferb,” “Kung Fu Magoo” and “Kingdom Hearts” are three animated projects I'm a part of. My first music video, where I’m the singer, will air on Disney Channel around the beginning of the year. I'm training vocally, working with songwriters and producers and continuing to teach dance on Friday nights.

And what would you like to work on, or who would you like to work with, in the future? As long as I feel comfortable watching my scenes next to my grandma, I'll know the jobs are age-appropriate and beneficial to my career. I'd love to tap with Savion Glover, perform with Mia Michaels or record a song with Phil Wickham.

Where do you see yourself in ten years? The possibilities are endless. In ten years, I see myself doing whatever I'm supposed to be doing. The future is not in my hands. All I can do is make the most of each moment—each day.

Interview: Sylvie Guillém (Basler Zeitung) - german

Mary Staub, Basler Zeitung
August, 2005

Kurzbiographie

Sylvie Guillém wurde 1965 in Paris geboren. Mit 11 Jahren wurde ihre Begabung für das Ballett an der Opéra de Paris entdeckt und sie trat dort in die Ballettschule ein. Mit 16 wurde sie in das Corps de Ballet aufgenommen und vier Jahre später, unter der Intendanz von Rudolf Nurejew, zur jüngsten "Etoile" befördert, der höchste Rang des Pariser Opern Ballets. Mit 24 Jahren verliess sie die Opéra um ihre Karriere selbst in die Hand zu nehmen und mit Kompanien und Choreographen ihrer Wahl zu arbeiten. Seither ist sie regelmässige Gasttänzerin am Royal Ballet in London und tritt bei Kompanien in der ganzen Welt auf. Sie gilt als eine der wenigen Tänzerinnen, die nach jahrelanger Arbeit im klassischen Tanz, auch den Sprung in den modernen Tanzes erfolgreich gemeistert hat. Im September tritt sie in Basel in "Broken Fall" von Russell Malephant auf, welches 2003 den Laurence Olivier Award für beste Tanzproduktion erhielt.

Interview

Sylvie Guillém, einstige danseuse Etoile de l'Opéra de Paris, tanzt seit 1989 als freischaffende Tänzerin und entscheidet selbst, wo, wann und mit wem sie arbeiten möchte. Immer öfter arbeitet sie auch mit Vertretern des modernen Tanzes, wobei sie keineswegs die Provokation, sondern einfache Ehrlichkeit im Tanz sucht, welche sie im Allgemeinen nur noch selten findet.

Frau Guillém, in Basel werden Sie in sehr abstrakten Choreographien von Russell Malephant auftreten. Was denken Sie, nimmt das Publikum von einer solchen Vorstellung, ohne klar erkennbare Handlung, mit sich?

Als ich Russels Werke zum Beispiel zum ersten Mal sah, hat es mich im Moment des Zuschauens verändert. Etwas Aehnliches erlebte ich einmal bei einem Kabuki in Japan. In Japan haben sie eine andere Ausdrucksart als wir im Westen. Philosophischer, aber auch simpler. Sie fürchten sich nicht vor tiefen Emotionen und drücken wirklich das aus, was sie empfinden. In dem Kabuki tanzte ein Mann die Rolle einer Frau und seine Schönheit oder Aufrichtigkeit berührte mich zutiefst. Ich konnte nicht genau feststellen, was mich berührt hatte, ich wusste bloss, dass mich etwas verändert hatte. Was man mit den Augen sieht, ermöglicht einem oft auch Anderes mit neuem Blick zu sehen. Man sieht vielleicht ein Gemälde auf andere Art, oder einen Freund, oder eine Mahlzeit. Man trägt das Gesehene immer in sich. Bei Russell war das gleich.

Wenn Menschen also etwas ähnliches von meinen Vorstellungen mitnehmen, finde ich das gut. Heutzutage, mit alldem was produziert wird, findet man dies nicht mehr oft.

Viele Menschen haben aber den Eindruck, sie verstünden den modernen Tanz nicht. Was raten Sie ihnen?

Ich denke, wenn man eine Vorführung wie zum Beispiel die von Russell sieht, muss man einfach loslassen. Man muss sich irgendwie berühren lassen. Wenn ein Zuschauer es nicht versteht, weil er Anderes gewohnt ist, könnte er versuchen es von einer anderen Seite zu sehen: den Worten zuzuhören, anstatt Worte zu erwarten.

Dieses Erlebnis hatte ich mal mit einer Vorführung von Carmen, von Mats Ek, in London. Da gibt es keine Carmen mit Blume im Haar. Es ist viel grober und ein Zuschauer kritisierte es auch als zu grob, zu rauh, zu plump. Ich forderte ihn auf, Mérimées Carmen nochmals zu lesen und die Carmen aus neuer Perspektive zu sehen. Carmen muss nicht wie die Carmen der Oper sein, es gibt auch andere Carmen. Der Zuschauer kam zurück und hatte dann wirklich eine etwas andere Sicht,
er öffnete sich dem also, was ich ihm gesagt hatte.

Geschmack ist natürlich sehr vielfältig. Einige Menschen mögen blau, andere mögen rot besser, dem kann man wenig entgegnen. Wenn es also um Präferenzen geht, wie blau vor rot, da müsste man sich fragen: Warum mag ich blau besser? Aber dazu ist nicht jeder bereit.

Denken Sie dies sei die Aufgabe des Tanzes im Allgemeinen, dem Zuschauer solch ein bleibendes Erlebnis zu geben?

Ja, dies ist was der Tanz bewirken soll. Aber beim Tanz ist es wie bei Vielem, wie bei der Kunst zum Beispiel: Es gibt sehr viele Gemälde auf dieser Welt, aber wie viele sprechen Sie wirklich an? Wie viel Musik berührt Sie wirklich? Wenn mein Tanzen dies irgendwie erreichen kann, freut es mich sehr, denn ich weiss aus Erfahrung, wie wertvoll solch ein Erlebnis sein kann.

Ich erhalte von Zuschauern oft Briefe. Manchmal bin ich von ihren Reaktionen so gerührt, dass ich weinen könnte. Bei alldem was in der Welt passiert, fragt man sich in meinem Beruf oft, welchen Sinn unsere Arbeit macht. Wenn andere Menschen durch mein Tanzen aber solche Empfindungen erleben, dann ist dies sicherlich gut und meine Arbeit dient demnach mehr als der blossen Unterhaltung. Das gibt mir Kraft und ist ermutigend.

Denken Sie denn manchmal ans Aufhören?

Es ist eine Frage der Leidenschaft. Wenn die Leidenschaft nicht mehr da ist, dann ist es besser aufzuhören. Deshalb denke ich, dass für mich auch einmal die Zeit kommen wird, wo es zu Ende ist. Aber einen bestimmten Plan habe ich nicht. Ich hatte nie vor Tänzerin zu werden, oder danseuse étoile der Opera. Ich hatte nie geplant, die Opera zu verlassen. Ich entschied solche Sachen immer erst, als die Zeit dafür reif war. Als die Tür offen stand, fragte ich mich, ob ich hindurch gehen wollte. Wenn man aber genau hinschaut, ergibt der Weg, den man zurückgelegt hat, immer einen Sinn und führt auch zu einem Ende. Es könnte für mich so aussehen, dass ich merke, ich habe keine Leidenschaft fürs Tanzen mehr. Und es ist wahr, so viel gibt es nicht mehr, was mich in der Tanzwelt anspricht.

Was fehlt ihnen denn im heutigen Angebot des Tanzes?

Es kommt darauf an, ob im klassischen oder modernen Tanz.

Im modernen Tanz sind alle immer auf der Suche nach Neuem. Oft versucht man einfach zu provozieren, obwohl das gar nicht mehr neu ist. Dann erhält man einen unechten modernen Tanz, der wirklich gar nichts mehr aussagt. Aber weil es angeblich neu ist, und es niemand richtig versteht, lebt diese Tendenz weiter.

Wer versteht nicht, das Publikum?

Das Publikum ist nur das Eine, das Andere sind diejenigen, die das Geld zur Verfügung stellen, zum Beispiel die Minister. Sie denken oft, weil etwas provokativ ist, sei es automatisch gut. Aber so ist es nicht. Wenn etwas leer ist, dann ist es leer. Man könnte jemanden aus der Menge pflücken, ihn auf eine Bühne stellen und ihn stundenlang so stehen lassen - das wäre eine Vorführung von... ich nenne keine Namen. Und dann sagen die Minister: Wunderbar, unglaublich, das ist die Repräsentation des Nichts!

Um Gottes Willen, öffnet die Augen!

Wie kann man dieser Tendenz entgegenwirken?

Nach einer Weile werden die Zuschauer genug haben vom Unverständlichen und möchtegern Intellektuellen. Irgendwann sagen sie: Nein, was Sie bieten sagt mir nichts, es ist langweilig, ich bleibe lieber zu Hause und lese ein Buch, oder trink einen Kaffee, oder plaudere mit meinem Freund, als mir dieses Zeug anzuschauen, denn dies bedeutet rein gar nichts.

Im klassischen Tanz müsste man erkennen, dass nicht alles wie vor 100 Jahren getanzt werden muss. Auch ohne Glitzerzeug kann man etwas erzählen. Man muss nicht unbedingt den Fuss so halten, den Arm dort strecken, den Augapfel so verdrehen um eine Emotion zu übermitteln. Man müsste mehr Intelligenz hineinbringen und sich überlegen, warum man gewisse Posen macht. Man kann nicht einfach blind übernehmen, was einem beigebracht wurde ohne sich selbst etwas zu überlegen. Man müsste also die Denkweise der Tänzer etwas verändern. Ich weiss aber auch, viele Tänzerinnen lieben den klassischen Tanz genau dafür, wofür ich ihn hasse. Ich habe die Bühne anfangs einfach als etwas Faszinierendes erlebt und wollte deren Möglichkeiten ausprobieren.

So sind Sie also zum Tanz gekommen?

Ja, ich hab den Beruf der Tänzerin nicht ausgewählt. Ich träumte nie davon eine klassische Ballerina zu werden mit Kopfschmuck, Tutu, Glitzerzeug und alldem, was dazugehört. Als ich zum ersten Mal die Bühne betrat, erlebte ich sie als endlose Welt, die ausgekostet werden musste. Später merkte ich, dass die Möglichkeiten doch limitiert waren und ich weigerte mich auch oft Sachen zu tun, die ich lächerlich fand.

War dies während Ihrer Zeit an der Opéra?

Ja. Und ich weiss, meine Ideen waren nicht immer gut, das bestreite ich nicht. Zum Beispiel insistierte ich meine Haare genau so zu tragen, wie ich wollte, oder ich schnitt mein Kostüm einfach ab. Aber für mich war es wie eine Revolution. Ich wollte einfach etwas in Bewegung setzen, sie liessen sich aber nicht bewegen. Es hiess immer nur: Dies kannst du nicht, jenes darfst du nicht, wir entlassen dich sonst. Ich bekam auch langsam den Ruf der emotionslosen Tänzerin, weil ich ihren Gefühlscode bei der Interpretation der Stücke nicht verwendete.

Ich war 24 Jahre alt. Die Karriere einer Tänzerin ist kurz und ich wollte nicht immer um solche Trivialitäten kämpfen müssen. Ich wusste, dass ich ausserhalb dieser Welt noch sehr viel lernen konnte. Ich war wie ein Schwamm und wollte alles aufsaugen. Also verliess ich die Opéra.

Zum Schluss: Ihre Kritiker bezeichnen Sie als "die legendäre Sylvie Guillém" und "die hervorragendste Ballerina Ihrer Generation." Verspüren Sie von solchen Worten einen besonderen Druck oder Verantwortung?

Der Druck existiert für mich immer, wenn nicht von den Kritikern und Zuschauern, dann von mir selbst. Dem Druck kann man in diesem Beruf nicht entkommen. Je mehr man erreicht, desto grösser werden die Erwartungen. Man sammelt Erfahrungen und muss immer über das hinaus, was man schon geboten hat. Also hört der Berg nie auf, weder für einen selbst, noch fürs Publikum.

Ist dies positiv oder negativ?

Es ist beides. Psychologisch gesehen wird es dadurch sehr schwer. Man hat jedes Mal, bevor man die Bühne betritt, noch mehr Angst als das vorige Mal. Es gibt lauter Gespenster. Manchmal schlafen sie ruhig und manchmal wachen sie auf. Mit denen muss man zurecht kommen.

Und wie legen Sie solche Gespenster lahm?

In dem ich die Bühne betrete.